5 Tony

Was geht Jessica Chastain durch den Kopf, während sie auf der Bühne dreht? Plus: Ben Platts Schweigen, der „Fat Ham“-Geist, der „Shucked“-Maistanz und all das „Sweeney“-Blut.

Sasha Arutyunova für The New York TimesCredit...

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Von Michael Paulson

Theater ist im besten Fall eine Form der Magie – es verzaubert uns, verwandelt uns und lässt uns oft fragen: „Wie machen sie das?“

Am Broadway, wo das Handwerk auf Hochglanz gebracht und das Spektakel gesteigert wird, gibt es viel zu bestaunen. Deshalb haben wir diesen Frühling, nachdem alle Theaterstücke und Musicals für 2022–23 eröffnet wurden, noch einmal einige der von Tony nominierten Shows gebeten, uns einen Blick hinter den metaphorischen Vorhang zu gewähren und zu erkunden, wie sie auf die Idee gekommen sind und es geschafft haben, einige der sensationellen Bühnenkunstwerke, die in dieser Saison unsere Aufmerksamkeit erregt haben.

Achtung: Spoiler voraus.

Ein Puppenhaus

Die Show beginnt, bevor sie beginnt. Zwanzig Minuten vor jeder Aufführung von „A Doll's House“, während die Karteninhaber ihre Plätze im Hudson Theatre einnehmen, öffnet sich ein Vorhang und enthüllt den Star des Stücks, Jessica Chastain, die zusammengesunken in einem Ercol-Stapelstuhl aus Esche sitzt und sich langsam um das Nackte dreht Bühne.

Die wortlose Vorshow – ein großer Hollywoodstar, der sich lautlos dreht – entstand aus einem Impuls. Der Regisseur der Wiederaufnahme, Jamie Lloyd, hatte lange gedacht, er wolle Chastains Bewegungsfreiheit auf irgendeine Weise einschränken, als visuelle Metapher für die Art und Weise, wie sich ihre Figur, Nora Helmer, als Frau und Ehefrau festgefahren fühlt.

Eine frühe Lesung in Chastains Wohnung legte den Grundstein für die Idee: Sie las von ihrem Sessel aus vor, was Lloyd wie gebannt dazu veranlasste, ihr vorzuschlagen, das Stück auf diese Weise aufzuführen. Zu seiner Überraschung stimmte sie zu und übertrumpfte ihn dann mit einem ernsten Witz: Vielleicht könnte sie bereits auf dem Stuhl sitzen, als wäre Nora schon längst da, als das Publikum eintraf.

„Ich wollte, dass es sich anfühlt, als ob ich schon seit Jahren dort sitze“, sagte sie, „und mir die Möglichkeiten noch nicht ganz bewusst geworden bin.“

Und warum dreht sie sich? Lloyd sagte, dass das Konzept für das Design der Show von zentraler Bedeutung sei. „Es ist ein sehr politisches Stück – deshalb wird es ausgehalten –, aber es ist auch sehr psychologisch und handelt von jemandem, der außer Kontrolle gerät“, sagte er. „Die Erfahrung, die sie macht, hat etwas Verwirrendes.“

Das als Metapher konzipierte Sit-and-Spin vor der Show hat sich ebenfalls greifbar ausgezahlt: Es hat den Applaus am Eingang verhindert und es den Fans ermöglicht, ihrem Instagram-Feeling aus dem Weg zu gehen (das Fotografieren ist bis zum Beginn der Show erlaubt).

„Jeder hat seinen Moment, in dem er Jessica Chastain ansieht und Fotos macht, und dann verflüchtigt sich dieser Moment, sodass er am Ende der Vorshow Nora sieht“, sagte Chastain. „Ich möchte, dass sie das Promi-Gepäck, das sie mit sich herumtragen, loslassen.“

Zugegebenermaßen gibt es ein gewisses Unbehagen, und das nicht nur, weil Chastain den Stuhl als unbequem empfindet.

„Ich habe das Gefühl, dass ich mich nicht verstecken kann – die Leute können filmen und fotografieren und jeden Teil von mir sehen“, sagte sie, „und ich fühle mich dadurch wie ein Objekt, das sie studieren.“

Inzwischen studiert sie sie noch einmal.

„In der Sekunde, in der es losgeht, fange ich an, Blickkontakt mit den Menschen aufzunehmen, eine wirkliche Verbindung zu ihnen herzustellen und ihnen tatsächlich Nachrichten zu senden“, sagte sie.

Gelegentlich sieht sie jemanden, den sie kennt, oder jemanden, der versucht, ihre Aufmerksamkeit zu erregen. Sie gibt sich große Mühe, nicht zu reagieren, zumindest nicht sichtbar. „Ich winke nicht, ich verändere meine Körperhaltung nicht und ich lächle nicht“, sagte sie. „Ich mache die Dinge nicht getrennt von Nora, aber ich verbinde mich mit ihnen.“

„Ich fülle mich mit der Energie, die ich empfänge, und am Ende der Preshow bin ich völlig offen“, fügte sie hinzu. „Ich fühle mich dem Raum gegenüber so offen. Ich fühle mich so offen für die Emotionen, die sich zeigen. Und ich glaube, das liegt daran, dass wir uns alle gemeinsam auf dieser psychologischen Reise befinden.“

Sweeney Todd

„Ich habe viele, viele Menschen am Broadway ermordet“, sagte Jeremy Chernick, bevor er klarstellte: „Vorgetäuscht ermordet.“

Chernick ist der Spezialeffektdesigner für „Sweeney Todd“, in dem der rachsüchtige Friseur, gespielt von Josh Groban, eine Menge Menschen tötet, deren Körper dann von seiner liebevollen Vermieterin (Annaleigh Ashford) zu Kuchen gebacken werden.

Die grausamen Morde (die meisten der neun Todesfälle in der Serie ereignen sich durch Kehlendurchschneiden) stellen eine Reihe logistischer Herausforderungen für jedes Team dar, das diese klassische Show mit Liedern von Stephen Sondheim inszeniert. So ging das Kreativteam dieser Produktion darauf ein.

Der Stuhl: Sweeney tötet seine Kunden in einem Friseurstuhl und wirft ihre Körper dann in eine Rutsche, die zum Ofen des Kuchenladens führt. Die Bühnenbildnerin der Neuinszenierung, Mimi Lien, sagte, die Sicherheit habe für sie oberste Priorität, denn in einigen früheren Produktionen des klassischen Musicals seien Schauspieler verletzt worden, als sie vom Stuhl geschleudert wurden.

Lien entwarf einen viktorianischen Stuhl aus Gusseisen, gepolstert mit ochsenblutrotem Kunstleder. Viele ihrer ästhetischen Entscheidungen basierten auf funktionalen Überlegungen: Der Stoff musste glatt und rutschig sein, damit die Körper leicht gleiten konnten, und sowohl der Stoff als auch die Armlehnen des Stuhls mussten einfach sein (z. B. keine Steppung oder strukturiertes Leder). ), um zu vermeiden, dass Kostüme hängenbleiben oder sich Blut ansammelt.

Der Stuhl verfügt über Scharniere und Hebel, mit denen er wie eine Trage abgeflacht werden kann. Jedes Mal, wenn ein Kunde getötet wird, drückt Groban den Stuhl flach, dreht ihn an seinen Platz (das Kreativteam war der Meinung, dass Body-Dumping im Profil am besten aussehen würde) und hebt ihn in einem 45-Grad-Winkel an, um den Schauspieler durch eine offene Falltür freizulassen. (Sie gehen mit den Füßen voran; Lien dachte, ein Manöver kopfüber würde dramatischer aussehen, verwarf diese Idee jedoch aus Sicherheitsgründen.)

Die Schauspieler fallen etwa einen Meter bis fünf Fuß in einen gepolsterten Bereich, der für das Publikum nicht sichtbar ist, wo Crewmitglieder darauf warten, ihnen außerhalb der Bühne und, wenn nötig, aus ihren Kostümen heraus zu helfen.

Das Blut: Chernick entschied sich für „Pigs Might Fly“ von Nick Dudman, ein auswaschbares Bühnenblut auf Zuckerbasis. Chernick sagte, es gefiel ihm, dass das Blut klebrig und nicht glitschig sei, um die Gefahren auf der Bühne zu verringern. „Ein großer Teil meiner Arbeit besteht darin, herauszufinden, wie die Show weitergeht, nachdem überall Blut ist“, sagte er.

In vielen Produktionen von „Sweeney Todd“ wurde die Titelfigur mit einer Rasierklinge ausgestattet, die Blut verspritzt, aber Chernick sagte: „Das moderne Publikum will mehr Blut, als in eine Rasierklinge passt“, also entschied er sich stattdessen für den Bau eines Blutgefäßes in die Friseurumhänge, die die Kunden tragen, und die Schauspieler lösen einen Blutstrahl aus, wenn ihre Charaktere getötet werden. Jeder Tod erfordert etwa die Blutmenge eines Tennisballs, sagte Chernick; Die Kundenumhänge werden mit Wasser besprüht, damit das Blut besser einziehen kann.

„Wir haben durch Vorschauen an der Quantität gearbeitet“, sagte Chernick, „um den Faden zwischen dem, was beim Publikum eine Reaktion hervorruft, und dem, was ablenkend und ekelhaft ist, einzufädeln.“

Die Bereinigung: Sobald die Schauspieler die Bühne verlassen, wird ihre blutige Kleidung ausgezogen und in eine Waschküche im Keller des Theaters gebracht. Es gibt drei Waschmaschinen, drei Trockner, ein Ausgussbecken und Wannen, in denen Baumwollkleidung eingeweicht wird (aus Polyesterartikeln kommt das Blut leichter heraus). Einige der Kleidungsstücke werden abgespritzt, sobald sie sich vom Körper eines Darstellers lösen. Es gibt Reserven für zwei Messetage.

„Ich habe viele, viele Broadway-Shows gemacht, aber dies ist meine erste Show, in der es um Blut in diesem Ausmaß geht“, sagte Jesse Galvan, der Garderobenleiter. „Es bringt einige Herausforderungen mit sich – Blutspritzer, deshalb sind wir immer auf der Suche nach Blut auf Kostümen an zufälligen Stellen.“

Groban, der Star der Show, sagte, die Effekte seien der Schlüssel zum Erfolg der Show.

„Es ist eine unglaubliche Reaktion, wenn die Leute zum ersten Mal sehen, wie der Stuhlgang passiert oder wie das Blut zum ersten Mal austritt“, sagte er. „Und es macht mir sehr viel Spaß. Meine Hände machen diese dunklen, verdrehten Dinge, während der Gesang ziemlich romantisch ist, und ich denke, das ist der Kniff, den Sondheim im Sinn hatte.“

Parade

"Schuldig. Schuldig. Schuldig."

Am Ende des ersten Akts von „Parade“ wird die Hauptfigur, ein jüdischer Geschäftsmann namens Leo Frank, wegen Mordes an einem jungen Mädchen verurteilt. Es ist 1913 in Georgia; Der Fall wurde durch Antisemitismus verzerrt und Frank wird zum Tode durch Erhängen verurteilt.

Dann ist Pause.

Ben Platt, der Frank spielt, bleibt auf der Bühne. Er zieht seine Kleidung aus und zieht eine Gefängnisuniform an. Und etwa 15 Minuten lang sitzt er schweigend wie in einer Zelle auf einer 13 mal 13 Fuß großen Plattform in der Mitte der Bühne.

„In der Serie gibt es so viel zu besprechen, dass wir keine Zeit haben, uns mit der wörtlichen Wahrheit auseinanderzusetzen, dass dieser Mann das Ende seines Lebens in Isolation verbringen musste“, sagte Platt. „Und für mich ist dies immer ein Moment in der Serie, in dem es nur darum geht, darüber nachzudenken, ganz gleich, was emotional passiert.“

Platts wortlose Anwesenheit während der Pause – einem Zeitraum, in dem zwei Jahre vergehen – ist zu einem der am meisten diskutierten Elemente der Show geworden, teils weil es sich wie eine Meisterleistung der Konzentration anfühlt, teils weil es fotografiert werden kann. So landet es auf TikTok und anderen sozialen Medien.

„Parade“ basiert auf der Geschichte, und diese Inszenierung war die Idee des Regisseurs der Wiederaufnahme, Michael Arden.

„Es war nur diese seltsame Fiebertraum-Vorahnung, die ich hatte: dieses Bild von Ben, der auf der Bühne sitzt und an seinem Galgen gefangen ist“, sagte Arden. „Ich wollte das Publikum herausfordern, zurückzublicken und Ben auf der Bühne zu sehen, wenn es seinen Cocktail trinkt, seinen Freunden eine SMS schreibt oder über sein Abendessen spricht, und ein Gefühl dafür zu bekommen, dass, während sich die Welt drehte, Dieser Mann saß in einer Gefängniszelle.“

Einige Gäste sitzen ruhig auf ihren Plätzen, als würden sie mit der Figur Wache halten; Viele stehen auf, um Fotos zu machen, und einige haben versucht, Platts Aufmerksamkeit zu erregen.

„Es gibt Zeiten, in denen jemand sagt: ‚Ben, ich gebe dir 100 Dollar, wenn du dich umdrehst‘ oder ‚Ben, ich liebe dich‘, aber das kommt selten vor und die Leute verstehen im Allgemeinen den Hinweis“, sagte Platt. „Ich versuche zu dissoziieren, sodass ich nicht sicher bin, was sie tun.“

Platt sagte, dass er viele Fragen hatte, als ihm die Idee zum ersten Mal unterbreitet wurde. Würde ihm jemand Wasser bringen? (Ja.) Müsste er still bleiben? (Nein – manchmal liegt er auf einer Bank.) Der Rest lag bei ihm.

„Es gibt Tage, an denen ich völlig in die Geschichte eintauchen kann und ganz wie ein Löwe bin und das Gefühl habe, festzustecken, und es gibt Tage, an denen ich müde bin und mich darauf konzentrieren muss, diese Zeit zu überstehen“, sagte er . „Aber die physische Manifestation ist immer zur gleichen Zeit: Ich sitze da bei mir selbst.“

Geschält

Sarah O'Gleby, die schlaftrunken war, weil sie ein Kleinkind großzog, erwachte mit einem dieser Funken, die verrückt oder inspiriert sein könnten: Sie erinnerte sich an die Szene aus Charlie Chaplins Film „Der Goldrausch“ von 1925, in der der Komiker zusticht zwei Brötchen mit Gabeln und führt damit eine Tischroutine durch.

O'Gleby, die Choreografin von „Shucked“, war mit der Eröffnungsnummer ihres Musicals unzufrieden, die nicht ganz den brachialen Vibe der darauffolgenden verrückten Country-Musik-und-Mais-Witz-Produktion hatte. Chaplins Eskapaden brachten sie zum Nachdenken.

„Es kam mir einfach in den Sinn: Ich frage mich, ob wir mit Maiskolben irgendetwas machen können“, sagte sie. „Also brachte ich ein paar Tänzer zum Spielen in einen Raum, und als ich sah, wie eine Wand aus Schauspielern eine Rockette-Kickline mit Maiskolben vorführte, musste ich kichern – es kam mir einfach albern und lächerlich vor und brachte mich zum Lächeln.“

So entstand die Corn Kickline der Show. Und ja, es ist eine Mais-Kickline – 14 Schauspieler, die 28 Maiskolben halten, reihten sich am Bühnenrand auf und ließen diese Maiskolben auf Brettern aus ofengetrockneter Asche tanzen.

Das Training der Darsteller, von denen die meisten keine Tänzer sind, nahm Zeit in Anspruch – die Routine kombiniert Elemente von Varieté, Stepptanz und Percussion. „Das war das Erste, was wir den Darstellern beigebracht haben, als wir mit den Proben für den Broadway begannen, und viele von ihnen fragten: ‚Was ist das?‘“, sagte sie. „Ich sagte: ‚Komm schon: Offene Herzen und offener Geist!‘ Wir mussten uns sehr langsam steigern, um die Geschwindigkeit zu erreichen, die sie jetzt haben.“

Auch die Gestaltung der Kolben – leider sind sie aus Kunststoff – erwies sich als Herausforderung. Die Plastikfiguren, die die Show zuerst ausprobierte, zerbrachen nach ein paar Einsätzen, also fertigte das Requisitenteam 9 Zoll große, gelbe, spelzenlose Kolben aus einem schlagfesten Harz, das acht Shows pro Woche überstehen konnte. Die Kolben sind schwer, um einen perkussiven Klang zu gewährleisten, und die Designer der Show haben große Taschen in die Kostüme eingebaut, um sie zu verstauen.

Die 20-Sekunden-Kickline ist zu einem Markenzeichen der Show geworden und trägt dazu bei, ihren verspielten, von Wortspielen durchzogenen und an Mais erinnernden Ton zu etablieren.

„Wir versuchen dem Publikum zu sagen: ‚Das ist die Art von Abend, die Sie erwartet‘“, sagte O'Gleby. „Es wird leicht und beschwingt sein und wir werden eine schöne Zeit miteinander verbringen, und wir hoffen, dass Sie eine schöne Zeit mit uns haben.“

Fetter Schinken

„Hamlet“ ist voller berühmter Charaktere. Einer von ihnen ist tot.

Der Geist des Vaters der Titelfigur spielt eine Schlüsselrolle dabei, die Handlung des Shakespeare-Stücks voranzutreiben, und das Gleiche gilt für „Fat Ham“, James Ijames‘ mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnete Version des Klassikers, der jetzt in den Hinterhof von North Carolina verlegt wurde Familie, die einen Grillplatz betreibt.

Der Regisseur des neuen Stücks, Saheem Ali, sagte, er wisse sofort, als er das Drehbuch las, dass er einen Weg finden wollte, Shakespeare zu nicken, aber auch den respektlosen Ton von „Fat Ham“ anzuerkennen.

„In ‚Hamlet‘ ist der Geist normalerweise sehr gruselig – man muss die Wirkung des Übernatürlichen spüren – aber wir sind in einer Komödie, also braucht es auch eine Leichtigkeit“, sagte er. „Es ist ein Geist mit einem Augenzwinkern.“

Und wie findet man jemanden, der bei der Beschwörung des Übernatürlichen helfen kann? Wenig überraschend wandte sich Ali an das Team hinter „Harry Potter und das verwunschene Kind“ – einem Stück voller Bühnenmagie – und fand Skylar Fox, die für die Magie der amerikanischen Produktionen von „Verfluchtes Kind“ zuständig ist und nun auch für Illusionen zuständig ist Entwurf für „Fat Ham“.

„Geister kommen bei der Zauberei fürs Theater oft vor, und ich habe das schon ein paar Mal gemacht“, sagte Fox. „Je mehr das Publikum darüber Bescheid weiß, wie die Welt funktioniert, desto schwieriger wird es, es zu überraschen, aber gerade das macht den Versuch spannend.“

Der „Fat Ham“-Geist – er wird Pap genannt – erscheint dreimal und stößt einen Dampf aus, der ihm eine Art gespenstische Jenseitsheit verleiht, ihn aber auch mit dem Räuchern von Fleisch verbindet, das sein Lebensunterhalt war.

Ijames‘ Drehbuch besagt, dass er beim ersten Erscheinen des Geistes ein klassisches Geisterkostüm trägt: „ein Bettlaken mit ausgeschnittenen Augenlöchern.“ Aber Ali und Fox haben eine kleine Änderung vorgenommen: Bei seinem ersten Auftritt wird der Geist nicht mit einem Bettlaken, sondern mit einer roten Karo-Tischdecke bedeckt, wie man sie bei einem Grillfest findet.

Beim zweiten Mal taucht der Geist aus einer Kiste mit Partyzubehör auf und beim dritten Mal springt er aus dem Grill.

„Für solche albernen Momente wurde viel über das Warum nachgedacht“, sagte Fox. „Dies ist ein Haus, das sowohl vertraut als auch befremdlich ist, und in allem steckt dieses Resttrauma, aber wir sind mit etwas gesenktem Kopf und einer leichten Berührung an die Sache herangegangen.“

Die obigen Videos von Jessica Chastain wurden mit einer langsameren Bildrate aufgenommen.

Michael Paulson ist der Theaterreporter. Zuvor berichtete er über Religion und war Teil des Boston Globe-Teams, dessen Berichterstattung über sexuellen Missbrauch durch Geistliche in der katholischen Kirche mit dem Pulitzer-Preis für den öffentlichen Dienst ausgezeichnet wurde. Mehr über Michael Paulson

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